Recordando ...

Novembro 2024

Pinturas (AI)

Realização, Produção, Banda Sonora e Video: ©MárioSilva

“Uma Varanda Portuguesa"

A Pintura como Retrato da Alma Portuguesa

Mário Silva (AI)

A pintura digital "Uma Varanda Portuguesa", atribuída a Mário Silva, captura a essência da arquitetura e do estilo de vida portuguesa.

Através de uma paleta de cores vibrantes e de um olhar atento aos detalhes, o artista convida-nos a uma imersão na alma de um país repleto de história e tradição.

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A fachada da casa, com as suas cores vibrantes e os seus detalhes arquitetónicos, é o elemento central da pintura.

O azul intenso das paredes, contrastando com o amarelo da varanda e o castanho das janelas, cria uma composição visualmente atraente e harmoniosa.

Os azulejos, com seus padrões geométricos, adicionam um toque de sofisticação e elegância à fachada.

A varanda, com sua balaustrada de ferro forjado e as suas plantas ornamentais, é um elemento característico da arquitetura portuguesa.

A varanda é um espaço de transição entre o interior e o exterior da casa, um lugar onde os habitantes podem relaxar e apreciar a vista.

A janela, com os seus vidros coloridos e os seus detalhes em ferro forjado, é outro elemento que chama a atenção do observador.

A janela é um portal para o mundo exterior, um convite à curiosidade e à descoberta.

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A pintura demonstra um alto nível de realismo e detalhe, com cada elemento da fachada sendo cuidadosamente representado.

As texturas dos azulejos, a luminosidade da madeira e a delicadeza do ferro forjado são elementos que contribuem para a autenticidade da obra.

A paleta de cores é vibrante e expressiva, com as cores primárias (azul, amarelo e vermelho) sendo utilizadas para criar um contraste visual marcante.

As cores quentes, como o amarelo e o laranja, transmitem uma sensação de alegria e vivacidade.

A composição é equilibrada e harmoniosa, com a fachada ocupando o plano central da pintura.

A linha horizontal da varanda divide a imagem em duas partes, criando uma sensação de estabilidade e equilíbrio.

A pintura é um verdadeiro retrato da cultura portuguesa, capturando a beleza e a singularidade da arquitetura local.

A fachada da casa, com os seus azulejos, as suas varandas e as suas janelas, é um símbolo da identidade nacional e da tradição portuguesa.

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A varanda é um elemento arquitetónico presente em muitas casas portuguesas, especialmente nas regiões do Norte e do Centro do país.

A varanda é mais do que um simples espaço exterior, ela é um reflexo do modo de vida dos portugueses, que valorizam a vida ao ar livre, a convivência com os vizinhos e a apreciação da beleza natural.

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Em conclusão, a pintura digital "Uma Varanda Portuguesa" é uma obra que celebra a beleza e a riqueza da cultura portuguesa.

Através de uma linguagem visual precisa e poética, o artista convida-nos a apreciar a arquitetura, as cores e os detalhes que tornam o nosso país tão especial.

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Texto & Pintura (AI): ©MárioSilva

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"Cidade do Porto e o rio Douro, no séc. XVII"

A Pintura como Janela para o Passado

Mário Silva (AI)

A pintura digital "Cidade do Porto e o rio Douro, no séc. XVII", atribuída a Mário Silva, transporta-nos para um momento crucial da história da cidade e de Portugal.

Através de uma técnica meticulosa e de um olhar atento aos detalhes, o artista convida-nos a uma imersão na rica história portuária.

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A cidade do Porto, com os seus edifícios históricos e a sua arquitetura característica, estende-se ao longo das margens do rio Douro, oferecendo um panorama urbano vibrante e dinâmico.

Os telhados inclinados, as fachadas ornamentadas e as ruas estreitas evocam uma atmosfera medieval, transportando-nos para um tempo em que a cidade era um importante centro comercial e cultural.

O rio Douro, com as suas águas calmas e cristalinas, desempenha um papel central na composição da pintura.

O rio era a principal via de comunicação e transporte, conectando o Porto ao interior do país e ao resto da Europa.

A presença de barcos à vela e de embarcações comerciais ressalta a importância do rio para a economia da cidade.

A atmosfera da pintura é marcada por uma sensação de tranquilidade e serenidade.

A luz suave e difusa, característica das suas manhãs de outono, envolve a cidade num halo de mistério e poesia.

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A pintura demonstra um alto nível de realismo e precisão, com cada detalhe sendo cuidadosamente representado.

As texturas dos edifícios, a transparência da água e a leveza das nuvens são elementos que contribuem para a autenticidade da obra.

A composição é equilibrada e harmoniosa, com a cidade ocupando o plano central da pintura e o rio Douro servindo como elemento de união entre os diferentes planos.

A linha do horizonte, posicionada no terço superior da tela, confere à paisagem uma sensação de amplitude e profundidade.

A paleta de cores, predominantemente quente e terrosa, evoca a atmosfera da cidade e a riqueza de seus materiais de construção.

Os tons de ocre, castanho e amarelo conferem à pintura uma sensação de calor e luminosidade.

A pintura não se limita a representar um momento no tempo, mas também oferece-nos uma visão da importância histórica da cidade do Porto.

Ao retratar a cidade e o rio Douro no século XVII, o artista lembra-nos do papel fundamental que o Porto desempenhou na expansão marítima portuguesa e no desenvolvimento do comércio europeu.

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No século XVII, o Porto era uma das cidades mais importantes da Europa, graças à sua localização estratégica no litoral atlântico e à sua atividade comercial.

A cidade era um importante centro de produção e exportação de vinho do Porto, um produto que era muito apreciado nas cortes europeias.

Além disso, o Porto era um ponto de partida para as expedições marítimas portuguesas, que exploraram e colonizaram vastas áreas do mundo.

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Em conclusão, a pintura digital "Cidade do Porto e o rio Douro, no séc. XVII" é uma obra que nos convida a refletir sobre a rica história da cidade e a importância do seu património cultural.

Através duma linguagem visual precisa e poética, o artista transporta-nos para um passado glorioso e convida-nos a valorizar a nossa herança cultural.

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Texto e Pintura (AI): ©MárioSilva

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"Jesus Meditando"

Mário Silva (AI)

A obra digital, intitulada "Jesus Meditando" por Mário Silva, retrata uma figura serena e contemplativa de Jesus num estilo digital moderno e detalhado.

A obra exibe Jesus com os olhos fechados e uma expressão de paz, imerso em meditação.

A sua postura e semblante transmitem um estado de introspeção e harmonia, sugerindo uma ligação profunda com o divino.

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A composição é iluminada de maneira a destacar detalhes do rosto, especialmente o cabelo e a barba, que são representados com uma textura rica e realista.

A luz suave, possivelmente simbolizando uma presença espiritual, atravessa a cena e cria uma atmosfera de tranquilidade.

Ao fundo, as folhas e galhos de uma árvore completam o ambiente natural, reforçando a ideia de uma meditação em conexão com a natureza.

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A pintura digital de Mário Silva une o tradicional e o moderno, explorando técnicas contemporâneas para representar uma figura icónica com profundidade psicológica.

Essa abordagem enfatiza o lado humano de Jesus, acessível e próximo, enquanto a atenção aos detalhes realça a beleza serena da cena.

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Na obra, o ato de meditar evoca um convite para a paz interior e a autocompreensão.

Jesus, frequentemente associado à oração e ao ensinamento sobre paz e amor, aqui é mostrado praticando a introspeção.

A meditação, como prática universal, pode ser vista como um caminho para a harmonia, auxiliando no equilíbrio emocional e na conexão com algo maior.

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Texto & Pintura (AI): ©MárioSilva

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"Noite de Fim de Outono,

Depois de um Aguaceiro"

Mário Silva (AI)

A pintura digital "Noite de Fim de Outono, Depois de um Aguaceiro", atribuída a Mário Silva, evoca uma atmosfera de tranquilidade e melancolia, característica da estação outonal.

A obra, através de uma paleta de cores predominantemente escura e de um jogo de luz e sombra, convida o observador a uma imersão profunda num cenário natural repleto de nuances e significados.

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A floresta, com as suas árvores desnudas e silhuetas escuras contra o céu noturno, simboliza a transição e a renovação.

As árvores, despojadas das suas folhas, representam a fragilidade da vida e a inevitabilidade da mudança.

O riacho, que serpenteia através da floresta, pode ser visto como um símbolo da passagem do tempo e da vida.

O brilho da lua na água cria um efeito hipnotizante, convidando à reflexão e à introspeção.

A lua, no seu esplendor, ilumina a cena e contrasta com a escuridão da floresta.

Ela representa a esperança, a espiritualidade e a busca por algo além do mundo material.

As pedras, espalhadas pelo leito do rio, simbolizam a solidez, a resistência e a força da natureza.

Elas também podem representar os obstáculos que encontramos na caminhada pela vida.

A paleta de cores, predominantemente escura, com tons de preto, cinza e azul, transmite uma sensação de melancolia e introspeção.

Os poucos pontos de luz, como o brilho da lua na água, criam um contraste que acentua a beleza da cena.

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A composição da pintura é equilibrada e harmoniosa.

A linha do horizonte, posicionada no terço superior da tela, confere à paisagem uma sensação de amplitude e profundidade.

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A técnica digital permite a Mário Silva um grande controle sobre a luz, a cor e a textura, resultando numa imagem realista e detalhada.

A pintura apresenta um alto nível de realismo, com as texturas das árvores, das pedras e da água sendo representadas de forma convincente.

A atmosfera da pintura é melancólica e contemplativa.

A combinação de elementos naturais, como a floresta, o riacho e a lua, cria um cenário ideal para a reflexão e a introspeção.

A pintura pode ser interpretada de diversas formas, dependendo da sensibilidade de cada observador.

No entanto, é possível identificar alguns temas recorrentes, como a passagem do tempo, a relação entre o homem e a natureza, e a busca por um significado mais profundo para a vida.

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Em conclusão, "Noite de Fim de Outono, Depois de um Aguaceiro" é uma obra que convida o observador a uma jornada introspetiva.

A pintura, através duma linguagem visual rica e poética, explora temas universais como a natureza, a passagem do tempo e a busca por significado.

A obra de Mário Silva, ao capturar a beleza e a fragilidade da natureza, convida-nos a apreciar a simplicidade e a perfeição do mundo natural.

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Texto & Pintura (AI): ©MárioSilva

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"A Guardiã do Inverno"

um conto transmontano

Naquela manhã de inverno em Trás-os-Montes, onde o frio agreste dominava a paisagem, Dona Maria ajustou o xaile negro de lã sobre os ombros enrugados.

Era um daqueles dias em que o céu baixo e plúmbeo despejava neve sobre a aldeia, cobrindo os telhados das casas de granito com um manto branco e silencioso.

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A lareira, alimentada por grossos toros de carvalho da Serra da Nogueira, era o coração pulsante da casa antiga.

O fogo dançava e estalava, projetando sombras tremulantes nas paredes de pedra, enquanto o aroma característico da madeira queimada preenchia o ambiente.

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Sentada em sua cadeira de vime, tão antiga quanto as suas memórias, a velhinha observava através da pequena janela as ruas estreitas e tortuosas da aldeia, agora desertas.

O vento uivava pelos cantos da casa, encontrando frestas invisíveis por onde se infiltrava, fazendo-a apertar mais o xaile contra o corpo magro.

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Na terra onde o inverno reina por nove meses, o silêncio tinha uma presença quase física.

Era um silêncio diferente, próprio das aldeias transmontanas, quebrado apenas pelo crepitar da lenha e pelo assobio do vento nas telhas.

De vez em quando, um floco de neve mais ousado rodopiava próximo à janela, como se dançasse uma dança solitária.

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Os olhos cansados de Dona Maria, da cor das castanhas maduras, refletiam as chamas enquanto suas mãos enrugadas ajustavam mais uma vez o xaile.

Na solidão daquela casa vazia, onde cada canto guardava histórias de tempos mais movimentados, ela era a guardiã das memórias, do calor e do silêncio.

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O dia foi escurecendo lentamente, como sempre acontece nos invernos rigorosos de Trás-os-Montes.

As sombras alongaram-se, e a neve continuava a cair lá fora, suave e constante, enquanto Dona Maria permanecia na sua vigília silenciosa, aquecida pelo fogo e envolta em pensamentos tão profundos quanto o próprio inverno transmontano.

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A casa, embora vazia e silenciosa, estava cheia da presença desta mulher forte, moldada pelo tempo e pelo clima extremo desta região única de Portugal, onde o inverno não é apenas uma estação, mas um estado de espírito que marca a alma de seus habitantes.

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Texto & Pintura (AI): ©MárioSilva

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"A dançarina"

Mário Silva (AI)

A pintura digital intitulada "A Dançarina", de Mário Silva, utiliza formas abstratas e uma paleta monocromática em preto e branco para capturar a essência do movimento e da expressividade corporal.

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A figura central da obra é uma silhueta estilizada de uma dançarina, desenhada com linhas curvas e ângulos acentuados, que transmitem dinamismo e fluidez.

A figura está numa pose de dança expressiva, com o braço direito erguido acima da cabeça num gesto dramático, enquanto o corpo está arqueado numa postura que sugere tanto força quanto leveza.

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Os elementos abstratos que compõem a figura, como os ângulos afiados e as curvas suaves, criam um jogo interessante entre luz e sombra.

O contraste preto e branco é utilizado para delinear a forma da dançarina, eliminando detalhes faciais e corporais em favor de uma representação mais simbólica do movimento.

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"A Dançarina" de Mário Silva faz uso da abstração para reduzir a figura humana a formas essenciais e movimentos.

A ausência de detalhes realistas permite que o observador se concentre na sensação de movimento, ao invés dos traços específicos do corpo da dançarina.

A pose curvada e os braços estendidos criam uma sensação de tensão e liberação simultâneas, como se a figura estivesse no meio de uma coreografia intensa e emocional.

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A escolha por linhas alongadas e pontiagudas, combinadas com curvas fluidas, sugere um equilíbrio entre a delicadeza da dança e a intensidade do esforço físico.

A abstração ajuda a transmitir a universalidade do movimento, permitindo que o observador interprete a dança como uma forma de expressão pura.

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A dualidade entre o preto e o branco pode ser interpretada como uma metáfora para as dualidades presentes na dança — força e graça, controle e liberdade.

Essa escolha de cores minimalista também confere à obra um aspeto de elegância e sofisticação.

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Mário Silva parece adotar influências do modernismo e do cubismo, particularmente no uso de formas geométricas e da fragmentação visual do corpo. A figura parece ao mesmo tempo fluida e angular, uma contradição que reflete a tensão e a energia que caracteriza a dança.

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A figura da dançarina pode ser vista como uma representação da liberdade do corpo em movimento, capturando a essência da expressão emocional por meio da dança.

A obra não busca reproduzir a realidade de forma detalhada, mas sim representar o impacto emocional e a dinâmica do movimento.

A postura ousada e a estilização exagerada podem também evocar a ideia da dança como uma forma de arte que transcende o corpo físico, tornando-se uma experiência quase espiritual.:

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Em conclusão, "A Dançarina" de Mário Silva é uma obra que celebra a dança na sua forma mais abstrata e expressiva.

Através da simplificação da forma e do uso de contrastes, a pintura consegue transmitir a energia, a emoção e a beleza do movimento humano.

A abstração aqui não apenas estiliza a figura da dançarina, mas a eleva a um símbolo universal de liberdade e arte corporal, capturando a essência de uma performance que transcende o tempo e o espaço.

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Texto & Pintura (AI): ©MárioSilva

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"A Noiva Triste"

Mário Silva (AI)

A obra digital intitulada "A Noiva Triste", de Mário Silva, apresenta uma noiva com um vestido clássico de estilo vintage, com ricos detalhes de rendas e bordados, em tons de branco e creme.

O vestido tem uma estética renascentista, que evoca um ar de tradição e solenidade.

A imagem destaca-se pela sua composição simétrica, com ornamentos florais brancos emoldurando a noiva, contribuindo para uma atmosfera de pureza e nostalgia.

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A noiva segura um buquê de flores negras, um elemento contrastante que quebra a expetativa de alegria tradicionalmente associada a casamentos.

Essa escolha de cores e o título da obra sugerem uma narrativa de tristeza e introspeção.

O olhar da noiva, voltado para baixo, reforça essa sensação de melancolia, como se ela estivesse imersa em pensamentos profundos ou pesarosos.

A expressão dela pode simbolizar uma série de emoções complexas, que vão além do esperado para uma ocasião festiva como o casamento.

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Algumas razões para a tristeza da noiva podem estar relacionadas a sentimentos de dúvida ou sacrifício.

Talvez ela esteja a casar-se por obrigação social ou por convenções familiares, sacrificando, assim, os seus próprios desejos.

Outra possibilidade é que ela esteja lamentando uma perda anterior, carregando consigo uma memória dolorosa que o casamento não consegue apagar.

O buquê negro pode simbolizar o luto por um amor passado ou a perda da liberdade pessoal, sugerindo que, apesar da ocasião alegre, ela sente que algo importante está faltando.

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A obra, portanto, consegue criar uma forte dualidade entre a beleza visual do cenário e a emoção sombria que ela transmite, refletindo temas universais como a complexidade dos sentimentos humanos e as expetativas sociais ligadas ao casamento.

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Texto & Pintura (AI): ©MárioSilva

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"As Mãos em Oração"

Uma Reflexão sobre Fé e Devoção

A obra digital de Mário Silva, intitulada "As mãos em Oração", é uma representação visual poderosa e simbólica do ato de oração, fortemente enraizada na tradição católica.

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Na imagem, observamos em destaque as mãos enrugadas e unidas de uma pessoa idosa, provavelmente uma mulher, em posição de oração.

A textura das mãos, meticulosamente detalhada, transmite uma sensação de experiência e tempo, evidenciando uma vida marcada pelo envelhecimento, simbolizando sabedoria, perseverança e fé profunda.

O fundo é suavemente escuro, o que chama toda a atenção para as mãos, enquanto o rosto da pessoa aparece parcialmente desfocado, sugerindo a importância do gesto em si mais do que da identidade da pessoa.

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Um elemento significativo da imagem é o contraste entre as rugas profundas nas mãos e a suavidade na junção dos dedos, o que pode simbolizar a dualidade entre as lutas terrenas e o conforto espiritual que a oração proporciona.

O anel e o rosário pendurado no pescoço da pessoa reforçam a ligação com a religiosidade, símbolos que são amplamente associados à prática católica de devoção.

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A iluminação suave, que destaca as mãos contra o fundo escuro, parece irradiar uma calma e serenidade, sugerindo que a oração é um momento de introspeção e conexão espiritual.

O foco em mãos idosas também pode ser interpretado como uma homenagem à fé duradoura, à continuidade da prática religiosa mesmo em idades avançadas.

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A oração ocupa um lugar central na vida dos católicos.

Para eles, é um meio de comunicação direta com Deus, através do qual expressam louvor, gratidão, súplica e arrependimento.

Este ato é visto como uma forma de fortalecer a relação pessoal com o divino, proporcionando conforto espiritual e orientação em momentos de dificuldade.

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A oração do "Pai Nosso", por exemplo, é um dos pilares fundamentais da fé católica, ensinada por Jesus Cristo como um modelo de como se dirigir a Deus.

O rosário, que aparece simbolicamente na imagem, é outra prática devocional importante, especialmente entre os católicos mais velhos, como possivelmente retratado na obra de Mário Silva.

O uso do rosário permite a meditação nos mistérios da vida de Cristo e da Virgem Maria, auxiliando os fiéis a se conectarem mais profundamente com a sua fé.

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Para muitos católicos, a oração também tem um aspeto comunitário, sendo uma parte fundamental das missas e celebrações litúrgicas.

No entanto, a oração pessoal, como retratada na imagem, é igualmente importante, representando momentos privados de conexão espiritual.

A imagem sugere que, na velhice, a oração pode-se tornar um refúgio e uma fonte de consolo.

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Em conclusão, a obra de Mário Silva capta com sensibilidade a essência da oração, especialmente no contexto católico, onde ela simboliza fé, perseverança e uma conexão íntima com o sagrado.

As mãos em posição de oração, detalhadas com tanto cuidado, falam não apenas de uma prática religiosa, mas de uma vida inteira dedicada à espiritualidade.

Para os católicos, esse ato de devoção é uma das formas mais puras e diretas de se relacionar com o divino, sendo um pilar da sua fé e prática quotidiana.

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Texto & Foto-pintura (AI): ©MárioSilva

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Recordando outubro 2024 - Pinturas (AI)

“Pintar é fácil se não sabeis pintar -

quando souberdes pintar, é ao contrário”

(Edgar Degas)

Pinturas (AI), Banda Sonora & Video: ©MárioSilva

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